비올라와 바이올린의 차이점은 무엇인가?
비올라
비올라는 바이올린보다 음역이 낮은 것은 바이올린보다 크기가 더 큰 까닭인데, 두 악기의 크기비는 음역 차이와 비례한다. 비올라의 음역이 바이올린보다 5도 낮기 때문에, 음향학적으로 5도에 해당하는 비율인 3:2에 의해 비올라의 크기가 바이올린의 1.5배가 되어야 한다고 볼 수 있다. 실제로 바이올린과 비올라의 길이비가 대략 7:8이므로 두 악기의 크기(부피)비는 7*7*7:8*8*8, 즉 343:512 정도이다. 음높이가 크기에 반비례 한다는 점을 고려해서 계산하면 512/343=1.4927...로 음역의 비와 크기의 비가 거의 일치한다. 비올라의 크기에 오차가 있음을 고려하면 이는 상당히 유사한 값이다.이와같이 화성적으로 완벽한 균형을 이룬다. 비올라의 활과 더불어 이 점이 비올라 특유의 음색이 나는 요인이 된다. 비올라
보통 사람들은 비올라와 바이올린을 잘 구분하지 못 하는데, 크기와 연주 자세가 비슷하기 때문이다. 그러나 비올라는 바이올린보다 완전 5도 낮게 조율되며, 비올라의 음향은 바이올린에 비해 진하고 깊은 소리를 내며 똑같은 음 높이에서 더 어두운 음색을 띤다. 비올라는 바이올린과 첼로 사이의 음역을 담당하는 화음 악기로 쓰기도 하며, 높지도 낮지도 않은 선율을 맡기도 한다. 그래서 비올라는 합주에서 보통 멜로디보다는 화음을 내는 경우가 많다. 비올라 연주자를 비올리스트라고도 한다. 비올라
보통 풀 사이즈라 불리는 비올라의 몸통은 풀 사이즈 바이올린의 몸통 보다 1 - 4 인치(약 2.5 – 10 cm) 정도 크다. 바이올린과 달리 비올라는 풀 사이즈라 해도 크기가 일정하지 않은데, 평균 16 인치(약 40.6 cm, 이 크기는 몸통의 크기만을 가리킨다) 정도이며, 15.5 인치(약 39.4 cm)나 16.5 인치(약 41.9 cm), 17 인치(약 43.2 cm) 등도 있다. 어린이를 위한 크기는 바이올린과 같이 3/4, 1/2, 1/4 사이즈 등 풀 사이즈에 대한 비율로 나타내지 않고, 12 인치(약 30.5 cm) 정도의 작은 사이즈까지 존재한다. 더 작은 것이 필요한 경우 어린이를 위한 작은 바이올린에 비올라 현(C, G, D, A)을 달아 사용하기도 한다. 첼로
비올론첼로(Violoncello)는 서양 고전음악에 쓰이는 바이올린족의 저음역 악기로 비올라보다 한 옥타브 아래 음을 연주한다. 흔히 영국과 독일에서 첼로(Cello)로 약칭된다. 첼로는 비올라와 함께 악기의 형태와 연주 방식 측면에서 원칙적으로 바이올린의 악기 계통에 속한다. 다만 첼로는 크기면에서 콘트라베이스 다음으로 큰 현악기이다. 오늘날 독주나 실내악, 오케스트라 연주 등에서 가온낮은음악기로서 가장 중요한 활약을 하는 악기이다. 역사적으로는 비올족의 베이스비올(비올라 다 감바)에서 발달한 것이다. 첼로를 연주하는 사람을 첼리스트(cellist)라고 한다. 비올라
비올라는 바이올린보다 1/7 정도 더 크며, 무게도 약간 더 무겁다. 바이올린의 경우 제작자가 달라도 그 크기가 표준화되어 있는 데 비해 비올라는 명기로 꼽히는 악기도 각각 몸통의 길이가 4~5 cm 정도 다르고, 울림부분도 이에 비례하여 다르게 되어있는 경우도 있다. 비올라는 기량 발휘와 음량 문제를 해결하기 위해 다양하게 변화하였기 때문이다. 헤르만 리터가 1876년에 제작한 초기 비올라의 길이는 무려 54 cm(21 1/4인치)였으나, 곧 절충하여 48 cm(19인치)가 되었다. 그런 점에서 바이올린은 진화를 거의 끝낸 반면, 비올라는 아직도 진화 과정에 있다고도 말할 수 있다. 연주자는 자신의 취향과 신체 조건에 맞게 악기를 선택할 수 있는데, 40cm보다 작은 비올라는 만족스러운 음량을 내는 경우가 드물고, 42 cm 이상의 비올라는 연주하기 불편하여 오늘날 비올라 연주자 대부분은 길이 40~42 cm(15 3/4~16 1/2 인치) 사이의 비올라를 선호한다. 활 (악기)
비올라의 활 또한 바이올린 활과 같은 역사를 지닌다. 비올라의 활을 바이올린 활과 비교하면, 두 활의 길이는 비슷하지만 비올라 활이 조금 더 무겁게 제작된다. 이것은 보다 음역이 낮고 굵기가 굵은 현에 강도를 높여주기 위해서이다. 비올라 활과 바이올린 활은 거의 유사하지만 비올라 활이 활대나 활털걸이(프로그) 부분에 있어 조금 더 무게감이 있다. 비올라 활털의 개수 역시 바이올린 활털에 비해 1/5정도 더 많다. 바이올린족
바이올린족 악기들은 크기에서 차이가 나며 음역이 일부 서로 겹치지만 음색은 조금씩 다르다. 바이올린과 비올라는 어깨 위, 턱 아래에서 연주되며 비올라는 바이올린보다 크기가 크고 완전 5도 아래로 조율된다. 첼로는 앉은 상태에서 악기를 바닥에 고정시킨 뒤 무릎 사이에 두고 연주하며, 비올라보다 한 옥타브 낮은 음을 낸다. 더블 베이스는 서서 또는 높은 의자에 앉아서 연주되고 일반적으로 첼로보다 단 6도, 옥타브 또는 9도 아래로 조율된다. 이들은 모두 네 개의 현을 가지며, 두 현 사이의 음정이 완전 5도가 되도록 조율된다(더블 베이스는 완전 4도). 류트나 기타 등의 악기에서 볼 수 있는 프렛은 없다. 비올라
활은 찰현악기의 현에 음 진동을 주는 중요한 기구로 비올라의 활은 바이올린의 활보다 약간 굵고 무거운데, 바로 이 점이 비올라가 매력적인 소리를 내는 요인 중 하나가 된다. 비올라 활의 길이는 약 75cm이며, 무게는 약 65~75g 정도이다. 바이올린족
바이올린족은 17세기 이탈리아에서 발달한 현악기(찰현악기)군이다. 현대의 바이올린족 악기로는 바이올린과 비올라, 첼로, 더블 베이스가 있다. 바이올린과 비올라, 첼로가 원래부터 바이올린족 악기였던 것에 비해, 더블 베이스의 기원에는 논란이 있다. 더블 베이스는 경사진 어깨(지판이 연결되는 몸통의 윗 부분), 조율, 평평한 뒷판 때문에 때때로 비올족으로 분류되기도 한다. 그러나 이러한 특징들은 고정적이지 않고 내부 구조는 바이올린과 비율이 같기 때문에 더블 베이스가 바이올린족 악기라는 주장에 더 무게가 실린다.
사중주
음악에서 사중주는 네 악기가 함께 연주하는 것을 뜻한다.
바이올린 2대, 비올라, 첼로로 구성된 현악 사중주, 피아노, 바이올린, 비올라, 첼로로 구성된 피아노 사중주 등이 있다.
대표적인 현악 4중주곡의 작곡가로서는 하이든, 베토벤, 슈베르트, 슈만 등이 있으며 브람스, 베토벤 등은 피아노 4중주를 작곡하였다. 활 (악기)
바이올린보다 앞선 악기이자 16세기에 바이올린과 공존했던 비올의 활은 근대 바이올린의 활보다 폭이 더 넓었으며, 손바닥으로 바깥을 향해 잡았다. 이 때에 활의 길이와 모양은 가지각색이었다. 35cm정도의 짧은 활 부터 시작해서 악기 길이의 2배 이상이 되는 활도 있었다. 스트라디바리우스
스트라디바리우스(Stradivarius)는 바이올린, 첼로, 비올라 등의 현악기를 의미하며, 스트라디바리 가문, 특히, 안토니오 스트라디바리가 제작한 악기들을 의미한다. 비올라 (동음이의)
비올라(Viola)의 다른 뜻은 다음과 같다. 바이올린 협주곡 (멘델스존)
이 작품은 전통적인형식의 세 악장으로 구성되어 있다. 이 작품에는 종전에는 존재하지 않던 혁신적인 기법이 다수 포함되어 있는데. 그 대표적인 예로 모든악장이 쉼없이 계속 연주되는것등 이 있다. 이곡은 다음과같은 악장으로 구성된다.일반적인 연주 시간은 약 25분 정도이다. 세 악장의 연주 시간은 각각 대략 12~14분, 8~9분, 6분 정도이다. 그러나 예전에는 더 빠르게 연주되어 각 악장의 연주 시간은 11~12분, 7~8분, 6분 이내 정도였다. 비올라
다른 바이올린족 악기들과 마찬가지로 비올라도 줄감개()를 이용해 조율을 한다. 줄감개를 조이면 음이 높아지고 날카로워지며, 줄감개를 풀면 음이 낮아지고 둔탁해진다. 보통 왼쪽 아래의 줄감개에 C현을 감고, 시계 방향으로 G, D, A현을 감는다. 일반적이지는 않지만 C현과 G현의 줄감개 위치를 바꾸는 경우도 있다. 줄감개와 함께, 더 세밀한 조정을 위해 미세조율기()를 쓰기도 한다. 이것은 줄걸이판()에 장착되는데 조그만 나사를 돌려 현의 장력을 미세하게 조정할 수 있게 해준다. 파인튜너를 이용하는 조율은 줄감개를 이용하는 것보다 훨씬 힘이 덜 들고 편하다. 파인튜너의 사용은 개인 취향의 문제이지만 보통 A현에는 파인 튜너를 사용한다. 탄력적이고 미세한 조정에 영향이 적은 거트현 에는 파인튜너를 사용하지 않는다. 바이올린 협주곡 1번 (브루흐)
첫 악장은 바로 이어서 연주되는 두 번째 악장의 전주곡 역할을 한다. 느린 두 번째 악장은 솔로 바이올린이 이끄는 빼어난 선율로 유명하다. 이 협주곡은 직접 카덴차를 작곡하는 것이나 독주자가 카덴차를 넣어 연주하는 것을 브루흐가 거부했다는 점에서 특이하다. 바이올린
바이올린은 세계 도처에서 민속 음악에 쓰이고 있다. 민속 바이올린 연주자는 정규 관현악단 바이올린 연주자처럼 관습에 얽매이지 않으며, 악기를 반드시 아래턱에 대고 연주하지도 않는다. 컨트리 밴드의 피들(현악기) 연주자들은 마치 곡예사처럼 악기를 뒤집거나 거꾸로 들거나 등 뒤에 놓고 연주하기도 하고, 심지어는 다리 밑에 놓고 악기를 가지고 재주를 부리며 연주한다. 북아메리카에서는 민족 무용 음악을 연주할 때 바이올린을 가슴이나 허리에 대고 연주하지만, 북아프리카에는 땅에 앉아서 바이올린을 왼쪽 무릎에 세워서 연주하기도 한다. 비올라
일시적이고 미세한 조율 방법으로, 현을 손으로 당기는 방법도 있다. 지판 위에서 현을 당기면 음이 낮아지고, 줄감개와 줄걸개() 사이 부분 현을 누르면 음이 높아진다. 잘로몬 교향곡
즉, 신작 오페라와 12곡의 새로운 교향곡(단, 잘로몬을 위한 신작뿐만 아니라 그 때까지 런던에 알려지지 않은 교향곡을 포함해서 12곡)에 대해서 각각 300파운드, 이 교향곡의 지휘에 대해서 120파운드, 판권 200파운드, 교향곡 이외의 작품 20곡에 대해서 200파운드, 기타 자선 연주회의 보수가 200파운드였다. 잘로문은 1745년 본에서 태어난 유명한 바이올리니스트였고, 그뿐 아니라 베토벤 일가와 같은 집에서 살았다는 기이한 인연이 있는 인물이다. 1781년 런던에 건너가, 만하임에서 온 바이올리니스트인 W. 그라머가 지휘하는 프로페셔널 콘서트에 대항해 1786년에 잘로몬 콘서트라는 정기 연주회를 열기 시작했다. 잘로몬은 이전부터 열렬한 하이든 숭배자였으며 하이든의 도움을 기재하고 있었는데, 하이든을 초빙함으로써 그 염원이 이루어진 것이다. 프로페셔널 콘서트는 1783년에 창설된 정기 연주회로서, 그 창설자의 하나인 아빙돈 경은 하이든을 지휘자로 초빙하려 했으나 에스테르하지 후작의 양해를 얻지 못하여 대신 크라머를 초빙했다. 앞에서도 말했듯이 프로페셔넬 콘서트와 잘로몬 콘서트는 창설 경위로 보아 대립을 피할 수 없었는데, 하이든의 런던 도착으로 이 대립은 점점 격렬해졌다. 프로페셔널 콘서트의 지지자들에게 하이든은 너무나 강적으로 생작되었다. 하이든이 런던의 사교계에서 호의적으로 받아들여지자, 그들은 하이든을 비방하는 기사를 신문에 발표하는 등 하이든과 잘로몬에게 싸움을 겅러왔다. 한편 음악가들은 두 파로 갈라져 있다고 해도 서로의 장점을 인정하였다. 크라머는 종종 하이든의 작품을 프로그렘에 올렸고 잘로몬 역시 상대방 작곡가의 작품을 자주 연주했다고 한다. 또한 프로페셔널 측은 시즌 중의 초대권을 하이든에게 보내 경의를 표하기도 했다.
하이든이 자필악보에 기입한 작곡연대와 초연 날짜를 검토해 보면 다음과 같다. 이 6곡은 모두 런던에서 착수하여 완성된 것들이다. 바이올린
전체 길이는 약 60cm이며, 무게는 대체로 500g 미만이다. 악기는 나무로 되어 있는데, 부위에 따라 쓰이는 나무는 다르다. 바이올린에는 보호를 위해 니스칠이 되어 있으며, 이로써 악기가 광택이 있게 되어 외형이 아름다워 보이게 한다. 몸통은 앞판과 뒤판이 옆판을 가운데 두고 마주 붙인 빈 통으로 현의 진동은 줄받침(bridge)을 통하여 앞판에서 공명이 일어난다. 앞판의 공명은 앞판과 뒤판 사이에 세운 버팀막대(soundpost)를 통하여 뒤판에 전달된다. 앞판에는 F구멍(F-hole)이 좌우 대칭으로 뚫려 있고, 몸통의 공명으로 생긴 공기 진동을 외부로 전한다. 옆판은 앞판과 뒤판을 가장자리에서 결합시키며, 양 옆이 굽은 모양이어서 활이 자유롭게 움직일 수 있게끔 하며 형체를 아름답게 보이게 한다. 몸통의 상부에 목(neck)이 붙는다. 목은 현을 조작하는 지판을 받치는 부분으로 목의 상부에는 소용돌이 모양의 머리(scroll)가 달린 줄감개집(peg box)이 있고 좌우에 2개씩의 줄감개(peg)를 꽂아 4줄의 현을 감는다. 4줄은 줄베개(nut)를 통하여 주로 흑단으로 만든 지판(指板, finger board) 위를 지나며 줄받침의 위를 거쳐 줄걸이판(tailpiece)에 4줄을 맨다. 줄걸이판의 밑쪽은 실로 끝핀(endpin)에 묶는다. 비올라 다모레
'비올 다모레'(viol d'amore)라는 이름이 처음으로 언급되는 사례는 존 이블린의 일기장(1679년 11월 20일)이라고 한다. 콘트라베이스
콘트라베이스의 활은 크게 독일식(버틀러식)과 프랑스식 두 종류가 있다. 프랑스식 활은 바이올린 활과 모양이 같지만 첼로 활보다는 길이가 짧고 더 무거우며, 영국과 프랑스, 이탈리아와 스칸디나비아 일부 지역에서 흔히 사용되고 있다. 프랑스식 활은 바이올린 활 운궁법처럼 오른손의 손등이 위를 향하는 운궁법(overhand grip)을 사용한다. 다른 바이올린 족 현악기의 활과 같은 모양으로 활대의 윗부분에서 잡는 활로 프랑스식 또는 프랜치 보우라고 부르며 유명한 베이스 솔리스트인 보테시니에 의해 유명해졌으며 현재 세계 여러나라에서 사용이 꾸준히 증가 되고 있다. 관현악단
루이 13세의 궁정에는 한때 25명이기도 했던 '24 바이올린'(왕을 위한 24명의 바이올린 연주자)이라는 악단이 창설되어 음악을 연주하였다. 이 악단은 무용 음악의 연주 양식을 확립했을 뿐 아니라, 프랑스에서 가장 뛰어난 연주자들에게 좋은 배움의 기회였다. 장바티스트 륄리는 루이 14세의 '기악 작곡가'로 임명되었을 때 '젊은 바이올린 연주자들'이라는 자신의 악단을 만들었다. 이 악단은 전원이 최초로 단복을 입고 활을 같은 방향으로 움직여 호평을 받았으며, 곧 유럽 여러 나라의 모델이 되었다. 바로크 바이올린
바로크 바이올린 (baroque violin)은 목, 지판, 줄받침, 줄걸이판이 바로크 시대 형상인 바이올린이다. 비브라폰
비브라폰은 목금처럼 두 개의 막대로 철판을 두들기면서 친다. 음의 여운은 매우 맑고 긴 음질이다. 경음악에서 주로 쓰이는데, 알반 베르크의 오페라 《룰루》 등 오케스트라에서도 가끔 쓰인다. 하지만 음색이 특이하기 때문에 마림바처럼 독주용으로는 잘 쓰이지 않고, 음향효과를 내는 데 많이 쓰인다. 바이올린, 비올라와 오케스트라를 위한 신포니아 콘체르탄테
다음과 같이 세 악장으로 구성되어 있다. 기타
스페인에서 기턴은 비우엘라(vihuela)로 변형되었다. 비우엘라는 평평한 악기로써 옆면은 구부러져 있고, 복현 5줄과 단현 1줄로 되어 있다. 이 악기는 스페인 외의 지역에서는 거의 볼 수 없지만, 영국의 헨리 8세는 스페인 비우엘라를 4개나 가지고 있었다고 전해진다. 이것은 아라곤왕 페르디난드의 딸 케서린과의 결혼을 통해 도입된 것으로 보인다. 비우엘라는 궁정용 악기인데 반해, 복현 4줄의 기타는 대중적인 음악에 사용된 악기로 16세기 후반에 유럽 도처에 알려졌다. 16세기 중엽에는 특별히 기타를 위한 곡이 작곡되었고, 후안 카를로스 아마트는 1586년에 최초의 교본 《기타라에스파뇨라》를 출판하였다. 100년도 안 되어 기타는 스페인에서 인기 있는 악기가 되었고 비우엘라는 서서히 사라졌다. 비올라
비올라를 위해 쓰여진 악보는 주로 가온음자리표를 사용한다는 점에서 다른 악기의 악보들과 다르다. 가온음자리표는 가온 다음이 오선지의 중간에 위치하는 음자리표로, 비올라를 위한 악보 외에는 거의 사용되지 않는다. 음역이 높아져 가온음자리표로는 덧줄이 너무 많이 필요해지는 경우 높은음자리표를 쓰기도 한다. 교육용 악보 등에서는 개방현을 0, 검지부터 새끼손가락을 1부터 4까지의 번호를 매겨 어떤 손가락이 사용될지를 표시하기도 한다. 교향곡 22번 (하이든)
잉글리시 호른2, 호른2, 현5부
소나타 형식 제시부에서는 모든 현악기가 p로 통주저음풍에 의한 8분음표로 진행하는 동안, 처음에는 호른이 나타나고 계속해서 잉글리시 호른이 ff로 코랄풍의 제1주제를 연주한다. 이때 바이올린에는 약음기를 사용한다. 여기서 2대의 호른이 옥타브로 연주되는데 비해 울림이 예민한 잉글리시 호른 2대는 같은 음높이를 취하기 때문에 두 음색의 대비가 현저하게 나타난다. 이 프레이즈가 반복되어 경과구가 되고 잉글리시 호른과 제1바이올린에는 매끄러운 선율적 동기가 나타남과 동시에 각 성부가 대립된다. 딸림조의 내림나장조가 확립되고 난 후 호른의 지속음과 함께 바이올린이 으뜸음에서 하행하는 제2주제가 시작된다. 그 뒤에 제2주제의 리듬에서 파생된 잛은 코데타가 이어진다.
바이올린은 약음기 없이. 바이올린의 저음현과 관악기가 번갈아 연주하면서 활기찬 12마디의 제1주제가 시작된다. 바이올린이 옥타브 도약을 하는 경과구를 거쳐 내림나장조의 제2주제가 오보에롤 시작되면 도약을 반복하는 바이올린이 그뒤를 잇는다. 처음의 바이올린 동시를 잉글리시 호른이 재연하면서 제시부를 맺는다. 버팀막대
버팀막대(sound post)란 바이올린 등의 현악기의 앞판 위의 브리지에 끝부분에 고정된 작은 장부촉이며, 마찰력을 이용해 앞판과 뒤판을 서로 연결시키는 역할을 한다. 앞판 위의 브리지에 의한 현의 장력을 버티게 해주는 구조적인 역할 또한 담당하며, 앞판의 진동을 뒤판에 전하거나 진동을 변화시켜 음색을 바꾸는 역할을 한다. 바다교향곡
베토벤이 자신의 마지막 교향곡에 성악을 도입한 이래 많은 작곡가들이 교향곡과 성악의 융합을 추구했다. 멘델스존 교향곡 2번 '찬가'와 말러의 성악교향곡들, 그리고 쇼스타코피치 교향곡 13번 '바비야르', 14번 '죽은자의 노래' 등이 성악교향곡들로서 많은 사랑을 받고 있다. 이들 교향곡들은 가사를 전달하기 위한 수단으로서 성악을 도입한 것으로 순수 기악곡인 교향곡에 성악을 첨부하여 표현영역만을 확대한 것이었다. 그러나 본 윌리엄스 교향곡에 있어서의 성악은 그 의미가 다르다. 베토벤의 '환희의 송가'나 말러의 교향곡이 기악에 성악을 첨가한 양상을 띄고 있는 반면, 본 윌리엄스의 경우는 성악 자체를 극한까지 추구한, 진정한 의미의 성악교향곡인 것이다. 관현악보다 성악이 우위를 차지하는 관계로 마치 오라토리오나 칸타타와 같은 분위기가 느껴진다. '바다'라는 제목에서 느껴지듯 표제성을 띄고 있고, 가사의 내용을 통한 상징성이 강해 순수 기악곡으로서 절대성을 지닌 교향곡과는 거리감이 느껴지나, 통상적인 고전적 교향곡의 형식을 따르고 있다는 점에서 교향곡으로 분류한다. 바로크 음악
이와 같은 두 사람의 차이는 그대로 음악에도 나타나 우리의 흥미를 끈다. 작곡에 쓰는 악곡형식으로서 바흐는 오페라를 제외하고는 당시 있었던 대부분의 형식을 다루었으나 역시 주력은 교회 칸타타나 오르간 작품 같은 교회 음악이라고 하겠다. 한편, 헨델의 대부분의 작품은 오페라와 오라토리오였는데, 그의 오라토리오는 매우 인간적이고 현실적인 것으로 말하자면 종교적 제재에 의한 오페라 같은 것이었다. 또 바흐의 작품 대부분이 교회나 궁정에 근무할 때 요청에 따라 쓴 실리적인 것이었음에 비하여 헨델은 틈이 나는 대로 아무런 목적이나 필요성도 없이 작곡하였다는 점도 흥미롭다고 하겠다. 수직 비올라
수직 비올라가 전제하는 근본적인 음향학의 원칙은 몸통의 공명(악기의 나무 부분이 일으키는 공명)이 두 번째로 음이 높은 현(즉 D현)과 어울리고, 구멍의 공명(악기 안의 공기가 일으키는 공명)은 세 번째 음이 높은 현(즉 G현)과 어울린다는 것이다. 일반 비올라는 너무 작아서 현의 주파수와 공명 주파수가 이렇게 잘 맞지 않는다. 바이올린
18세기 중엽부터 바이올린 구조는 몇 가지 중요한 변화가 나타난다. 음악회 전용 연주회장이 생기자 청중 수가 많아져 악기에 더 큰 음량과 화려한 음색이 필요해졌다 그리하여 바이올린의 목과 지판은 길어지고 줄받침은 높아졌으며, 옆판은 두꺼워지고 공명판은 얇아졌다. 또 더욱 높은 피치에 대응하기 위해 목 부분이 뒤로 젖혀졌다. 활이 현재와 같은 형태가 된 것은 18세기 말이다. 처음에는 반원형, 즉 무기의 활을 닮은 모습이었지만 기술적 요청에 따라 서서히 개량되었다. 비올족
비올라 바스타르다()의 크기는 테너와 베이스의 중간이며 옛날의 리라 다 감바를 모방하여 4도나 5도로 조현되는 것이 여느 비올족과 다른 점이다.
비올라 다 모레()의 크기는 트레블 비올과 같으나 7줄의 현을 맨 지판 밑에 울림줄을 가지고 있는 점이 다르다. 프렛도 없는 것이 특징이며 바이올린과 같이 받쳐 들고 연주한다.
비올라 디 보르도네()는 통상 바리톤이라 한다. 18세기의 악기로서 울림줄을 가지고 있다. 대형의 비올라 다 모레이다. 비올의 주법은, 처음에는 활을 아래에서 잡고 악기도 바이올린같이 어깨에 대지 않고 양쪽 다리 사이에 끼거나 위에 올려놓든가 하였으나 점차로 바이올린족의 주법에 가까워졌다. 전기 바이올린
공명동 대신에 공명동의 형태에 외측선을 가진 제품도 많지만, 기본적으로는 어깨받침 등의 장비를 붙이기 위해서나, 높은 포지션 연주시의 위화감 배제, 시판의 케이스에 맞추기 위한 디자인이며, 음향 구조상으로는 테두리도 필요없다. 일부 제품에는 테두리가 전혀 없이 넥으로부터 테일 피스까지 막대 모양의 디자인도 존재한다. 전기 바이올린
전기 바이올린(Electric Violin)은 음향부에 전자회로를 이용한 전기 악기다. 전자 바이올린이라고도 불린다. 사일런트 바이올린은 야마하제 전기 바이올린의 상표다. 바이올린
탄력 있는 굽은 목제 막대기에 말 꼬리 털이 평평하게 쳐 있고 이 털에 송진을 발라 마찰을 강하게 한다. 이로써 현 위를 비빌 수 있게 된다. 헤드에는 팁으로 불리는 얇은 보호판이 있고 상아, 쇠뼈, 은판이 이용되어 왔지만 최근에는 나일론 계열의 합성 수지를 쓰는 경우가 많다. 은판 등의 금속제 팁은 핀을 가리면서 고정하므로 헤드 부분의 안쪽에 균열이 일어날 수 있다. 활은 오래되었지만 잘 보관된 프랑스제가 가장 뛰어나다. 브라질우드, 페르남부코로 만든다. 나무활은 부러질수있기때문에 카본으로 만든 활도 존재한다. 전기 바이올린
현의 치는 방법, 현악기의 고저를 조절하는 것 등은 통상의 바이올린과 완전히 같지만, 공명동이 없기 때문에, 모든 현을 벗겨도 버팀막대가 넘어지는 등의 문제가 없다.
통상의 바이올린과 같은 공명동에 의한 소리나 흔들림이 없거나 약하기 때문에 음질적으로는 뒤떨어진다. 최근의 제품은 이것들을 극복할 수 있도록 개량이 더해지고 있지만, 악기를 몸에 밀착시켜 연주하는 사람이 듣는 소리와 스피커나 헤드폰으로부터 듣는 소리(악기로부터 떨어져 듣는 사람이 듣는 소리)는 달라, 연주자는 이것을 미리 이해해 두지 않으면 안 된다. 바이올린
현이 활과 마찰하면서 진동이 일어난다. 음색은 종류나 활을 잡는 법에 따라 바뀔 수 있다. 음색은 악기마다도 특색이 나온다. 이러한 소리의 차이에 대해서는 음향학에서도 확실하지 않은 부분이 많다. 니스의 영향에 대해서도 많은 논의가 있었지만 보통은 니스 자체가 악기의 음질을 좋게 하는 것은 아니라고 말한다. 음색은 모든 악기 중에서 가장 표현력이 풍부하며 극히 감성적이어서 표정이 풍부하여 무한한 변화가 가능하다. 바이올린족은 바이올린·비올라·첼로·콘트라베이스의 4종으로 이 현악 합주는 가장 비슷한 동질의 음색과 다양한 표현력을 가지고 있다. 소해금
소해금은 조현도 바이올린과 유사하게 완전5도 간격(g-d'-a'-e")으로 하며 실제 연주되는 소리(실음)는 기보음보다 장2도 낮고, 이 때문에 서양식 기준으로 하면 Bb조 악기로 분류된다..
기존에 활을 안쪽으로 넣고 마찰로 소리를 매는 해금에 비해 소해금은 연주시에 바이올린처럼 현 위에 놓고 연주한다. 바이올린 소나타 9번 (베토벤)
이 소나타는 원래는 바이올린 연주가였던 조지 브리지타워에게 헌정하기 위한 것이었다. 그는 시연회에서 베토벤과 함께 공연하였다. 하지만 그 공연이 끝난 후, 그 둘이 술을 마시다가, 브릿지타워가 베토벤과 사귀는 여자를 비난했다. 베토벤은 격분하여, 곡의 헌정 사실을 없애버리고 대신 당대 최고의 바이올리니스트였던 루돌프 크로이처()에게 헌정해버렸다. 그 뒤로 이 곡에 그의 이름이 붙어 전해지지만, 역설적이게도 크로이처는 이 곡을 한 번도 연주하지 않았다. 무반주 첼로 모음곡
최근 연구 결과에 따르면, 원래 이 모음곡들은 오늘날 우리에게 익숙한 다리 사이에 놓고 연주하는 다 감바 스타일의 첼로가 아닌 바이올린처럼 어깨에 얹고 연주하는 다 스팔라 악기를 위해 작곡되었다고 한다. Sigiswald Kuijken과 Ryo Terakado는 오늘날 비올론첼로 다 스팔라로 알려진 이 악기로 연주한 첼로 모음곡 음반을 발표했는데 이 악기들은 악기 제작자 Dmitri Badiarov에 의해 복원되었다. 그 당시의 악기들을 일컫는 용어의 범람은 오늘날 큰 혼란을 유발했으며, 이 덕분에 "바흐가 의도했던" 악기가 무엇인지에 관한 토론은 현재진행형이다. 반두리아
반두리아()는 스페인에서 쓰이는 현악기이다. 만돌린과 비슷하게 생겼다. 두 가지 형태가 있는데, 기타처럼 울림통 중간에 구멍이 뚫려 있는 것이 있고, 바이올린처럼 울림통 중간에는 구멍이 없고 F자 홀이 양쪽에 뚫려 있는 것도 있다. 현은 모두 12개로, 8개인 만돌린보다 많다. 스페인 포크 음악에 널리 쓰이며, 셀틱 포크 음악에도 쓰인다. 바이올린족
초기 바이올린족 악기들의 이름은 모두 '비올라'에서 비롯되었다. 바이올린은 '작은 비올라', 비올로네는 '큰 비올라' 또는 '베이스 비올라', 비올론첼로(첼로)는 '작은 비올로네'로 불렸다(비올로네는 현대 바이올린족 악기는 아니며, 지금은 더블 베이스가 그 자리를 차지한다). G선상의 아리아
'G선상의 아리아'라는 이름은 19세기 후반에 바이올린 연주자 아우구스트 빌헬미가 이 곡을 바이올린과 피아노를 위한 용도로 편곡한 것에서 비롯되었다. 원곡의 라 장조에서 다 장조로 조를 바꾸면서, 빌헬미는 바이올린의 네 현 중 가장 낮은 음역대를 낼 수 있는 G선 하나로만 연주할 수 있도록 하였다. 수직 비올라
일반적인 비올라는 턱 밑으로 연주하기에 무리가 없을 정도의 크기이다. 물리학자이자 악기 제조자인 칼린 허친스는 60년대에 작업을 했는데, 수직으로 연주하는 비올라는 더 커질 수 있으며 따라서 더 큰 비올라는 더 나은 소리를 낼 수 있으리라 생각했다. 현존하는 최고급의 악기들을 관찰한 세운 악기 설계의 원칙에 근거하여, 이 사람은 보통 비올라보다 약 6cm(2 1/2인치) 더 긴 악기를 만들어 첼로처럼 수직으로 연주하게끔 했다. (그러나 허친스의 원래 의도와 달리, 어떤 비올리스트는 어깨 위로 들어 연주하기도 했다.) 비올라
1900년경 대부분의 오케스트라 비올라 연주자는 바이올린 파트에서 독립된 것으로 여겨졌으며, 이 시기에 들어서 비올라는 실내악에서 운지법과 콜레뇨 와 글리산도 하모닉스 등과 같은 특별한 효과를 얻기 위해 그 중요성이 더욱 커졌다. 20세기 실내악에서 비올라는 다른 파트 못지않게 기술적인 수요를 얻게 되었으며, 쇤베르크의 현악3중주나 버르토크의 현악4중주에서 특히 두드러졌다. 20세기에 들어 쇼스타코비치나 블로흐 등 여러 작곡가들이 비올라곡을 작곡하였으며, 테르티스나 힌데미트같은 뛰어난 비올라 연주자들이 나와 비올라 음악에 활력을 불어넣었다. 비올라
비올라의 연주 자세는 왼손가락으로 지판의 현을 짚어 음을 조절하고, 오른손으로 활을 쓴다. 악기를 잡을 때는 비올라를 왼손에 잡고, 왼쪽 쇄골 위에 올려놓고 턱으로 턱받침을 앞으로 잡아당기는 자세를 취한다. 오른손은 활로 현을 긋거나(아르코, ) 손가락으로 현을 퉁겨서(피치카토) 소리를 낸다. 바이올린 소나타 (슈트라우스)
초연은 1888년 10월 3일, 쾰른 근처의 엘바펠트의 카지노잘(작은 홀)에서 열린 실내악의 밤에서 연주되었다. 그때 바이올린을 담당한 것은 쾰른의 게르체니히 관현악단의 콘서트마스인 로베르트 헤크만(Robett Heckmann)이었고, 피아노는 엘바펠트에서 지휘자로 있던 유리우스 붓스(Julius Buths)가 맡았다. 이 두 사람은 계속해서 10월 5일에 게르체니히의 이자베르 홀의 실내악의 밤에서도 이 곡을 소개헀다. 또한 헤크만은 슈트라우스와 함께 10월 13일에 열린 뮌헨에 있는 박물관 홀의 헤크만 4중주단의 제2회 연주회에서도 이 곡을 연주했다. 비올족
비올은 처음에 비우엘라 데 마노와 매우 비슷하게 모든 부분이 평평한 널판지 같은 나무로 만들어졌다. 그러나 몇몇 비올은 바이올린족 악기처럼 앞판이 약간 부풀어 오른 듯한, 완만한 곡선을 이루도록 만들어지기도 했다. 초기 비올의 허리 부분은 비우엘라와 비슷해서 많이 들어가지 않았지만 16세기가 지나면서 점점 잘록해졌다. 비올의 평평한 뒷판은 목과 몸통이 만나는 부분에서 급한 경사를 이루어서 비올의 몸통은 위로 갈수록 좁아지는 형태를 띠었다. 전통적으로 악기 제작에는 동물에서 얻은 아교를 사용했고, 내부의 이음매는 비우엘라와 같이 리넨이나 피지(皮紙)로 된 줄에 뜨거운 동물 아교를 흠뻑 적신 것으로 더 단단하게 만들었다. 줄감개가 있는 머리 부분은 대개 정교하게 장식되었고 지금은 친숙한 돌돌 말린 모양도 있었다. 비올라
지판 위에서 음을 짚는 손의 위치는 포지션으로 나타낸다. 처음 악기를 시작하면 보통 제1포지션부터 배우게 된다. 제1포지션에서 낼 수 있는 가장 높은 음은 새끼손가락으로 짚는 A현의 E음이다. 바이올린 협주곡 (슈트라우스)
론도 프레스티시모 라장조 2/4박자. 현의 피치카토에 의한 단순하고 화음적인 반주에 실려 독주 바이올린이 셋잇단음에 의한 스트카토의 경쾌한 주요주제를 연주하기 시작한다. 제1부주제는 이것과는 대조적인 바이올린을 잘 노래한 선율이다. 또한 제2부주제 부분에서는 1악장의 제1주제의 동기가 관현악으로 나타나다. 이 악장에서의 독주 바이올린은 이제까지의 악장 이상으로 거장성을 요구하고 있다. 비올라
악보에 pizz.(의 약자)라고 표시된 부분은 오른손 손가락으로 현을 퉁겨 연주한다. 아르코 중간에 피치카토가 나오면 활을 쥔 상태에서 검지로 현을 퉁긴다. 좋은 소리를 내기 위해서는 손가락의 살로 현을 퉁겨야 하며, 손톱이 현에 닿으면 안 된다. 비올족
비우엘라와 비올은 초기에 현대 바이올린과 유사한 날카롭게 들어가는 허리 모양을 하고 있었다. 이는 15세기 중반부터 나타나 많은 현악기에 유행한 모양이었는데, 손으로 퉁겨지는 비우엘라와 활로 켜지는 비우엘라 사이의 관계를 이해하는 데 열쇠가 된다. 16세기 중반부터는 기타와 같이 허리가 완만하게 들어간 모양(완만한 '8' 모양)도 만들어졌다. 바로크 음악
독주협주곡은 하나의 독주악기와 관현악으로 구성되는 것이 가장 일반적 형태인데, 독주악기에 따라 피아노 협주곡·바이올린 협주곡 등으로 불린다. 합주협주곡과 다른 점은 독주악기가 보다 두드러진 움직임을 보이고 보다 오랜 시간 연주된다는 점이며, 교향곡에 맞먹을 정도의 깊은 세계를 표현할 수 있는 형식이다. 최초의 독주협주곡은 토렐리(1658-1709), 알비노니(1671-1750) 등에 의한 것인데 1700년경에 공개되었고 또한 비발디(1678경-1741)에 의해 확립되고 대규모의 형식으로 발전하였다. 그의 협주곡은 빠름－느림－빠름의 3악장으로 되어 있으며 각각 그 내부는 일련의 투티와 솔로로 이루어져 있다. 비발디의 형식을 이어받은 사람으로는 제미니아니(1687-1763), 타르티니(1692-1770), 로카텔리, 헨델, 바흐, 텔레만 등을 들 수 있다.
바로크 시대 이전에는 교회에서 연주되는 것이라면 거의가 예외없이 성악이었다. 기악양식과 새로운 기악형식의 성립, 그리고 각 악기 사이의 양식이 구별되기 시작한 이 시대부터 교회를 위한 새로운 기악형식이 생겨났다. 그리하여 신도들이 부르는 코랄을 위한 오르간 전주부에 중요한 의미가 주어져서 코랄 전주곡이라는 독립된 기악곡이 탄생하였다. 이 형식에 큰 공헌을 한 사람은 샤이트(1587-1654)로서 그에 의하여 오르간 음악의 기교적인 면은 완성의 경지에 이르렀다. 이 때문에 그 이후 바흐에 이르는 일련의 독일 오르간 음악의 거장들은 전적으로 코랄 전주곡의 새로운 형식을 만들어내는 데 전념하였다. 파헬벨은 이 새로운 형식에 푸가를 곁들였으며, 뵘(1661-1735)은 코랄의 멜로디를 번뜩이는 듯한 섬세한 음표로 장식하였고, 또한 디트리히 북스테후데(1637-1707)는 코랄의 멜로디에서 나오는 소재를 자유롭게 환상적으로 다루는 코랄 판타지를 만들었다. 바이올린
비브라토(vibrato: 진동)은 현대 바이올린 연주의 특색 가운데 하나이다. 현을 누른 손가락을 가볍게 아래 위로 움직이면 비브라토로 음이 강렬해진다. 18세기와 19세기에 비브라토는 단순한 장식음으로 여겼다. 20세기 이전 음악에서는 비브라토가 필요한 곳에 따로 표시하였으나, 오늘날에는 일반적으로 비브라토가 필요없는 곳에 별도로 표시하는 것이 관행이다. 비브라토는 프리츠 크라이슬러, 야사 하이페츠와 같은 연주자의 영향을 받아 1930년대에 유행하였다. 비브라토를 잘 구사하기 위한 핵심은 손가락의 첫째 관절을 유연하게 움직이는 것이다 (http://violins.tistory.com/58). 비올족
16세기의 많은 현악기들의 현이 네다섯 개였던 것에 비해 비올은 대개 여섯 개의 현을 가졌다(주류는 아니었지만 이후 일곱 개의 현을 가진 비올도 등장한다). 현대의 바이올린족 악기들이 철로 만든 현을 쓰는 데 비해 비올은 지금도 양의 창자로 만든 낮은 장력의 거트현을 쓴다. 거트현은 철로 만든 현보다 따뜻하고 부드러운 소리를 낸다. 1660년 무렵에는 거트현이나 비단으로 만든 현의 겉에 구리로 만든 선을 감은 현이 등장했는데, 이것은 비올에서 가장 낮은 음을 내는 현을 대체했고, 다른 현악기들에서도 많이 쓰였다. 비올의 지판 위에는 움직여 고정할 수 있는 프렛이 있었다. 소리
바이올린의 소리와 플룻의 소리를 구별할 수 있는 것은 소리를 이루는 파동의 모양이 다르기 때문이다. 자연계에는 순수하게 사인파로만 이루어진 소리는 없으며, 각자 음압이 다른 배음의 배치들이나 다른 주파수들의 소리의 합이 전체적인 음색을 결정하게 된다. 바이올린 협주곡
바이올린 협주곡은 바이올린 독주와 관현악을 위한 협주곡이다. 협주곡의 형식이 발달하기 시작한 바로크 시대부터 지금까지 쓰이고 있다. 많은 작곡가들이 썼으며, 이중 많이 알려진 것으로는 멘델스존, 베토벤, 브루흐, 브람스, 비발디, 시벨리우스, 차이콥스키의 작품이 있다. 야샤 하이페츠
하이페츠는 20세기의 위대한 바이올린 연주자로 손꼽힌다. 하이페츠는 완전무결한 기교와 음색을 보였지만, 아직 여러 연주자들은 그렇게 여기지 않았다. 그러나 시간이 흐를수록 완벽에 가까운 그의 기교와 보수적인 자세 때문에 일부 비평가들은 그의 연주가 너무 기계적이며 차갑다고 비판하기도 하였다. 버질 톰슨은 하이페츠의 연주 방식을 "비단 속옷 같은 음악"이라고 했는데, 이것은 칭찬하려는 뜻이 아니었다. 그렇지만 이와 다른 여러 비평가들은 그가 음악가의 의도에 대한 경외심과 그 느낌을 자신의 연주에 주입하고 있다고 본다. 하이페츠의 연주 방식은 현대의 여러 바이올린 주자가 이 악기에 접근하는 방식에 지대한 영향을 끼쳤다. 그의 연주는 빠른 비브라토, 감정이 실린 포르타멘토, 빠른 박자, 뛰어난 운궁이 결합되어 하이페츠만의 독특한 소리를 만들어낸다. 풍부한 음색과 인상적인 포르타멘토로 유명한 바이올린 주자 이작 펄만은 하이페츠의 음색을 이르러 그 강렬한 감정 때문에 "토네이도"같다고 말하였다. 하이페츠는 악기 현을 고를 때도 특별하였다. 연주 인생 내내 그는 G현은 은을 감은 트리코어 거트현으로, D와 A현은 일반 거트현으로, E현은 골드브로캇(Goldbrokat) 강철현을 쓰고 송진을 많이 쓰지 않았다. 하이페츠는 각각의 음을 내는 데 거트현이 중요하다고 생각하였다. 수직 비올라
수직 비올라(vertical viola) 혹은 알토 바이올린(alto violin)은 첼로처럼 수직으로 세워서 연주하는 비올라계 현악기를 말한다. 이 악기는 바이올린 8중주에서 네 번째로 음이 높은 악기이다. (트레블, 소프라노, 메조 바이올린 다음) 바로크 바이올린
현대 바이올린은 현대에 제작된 바이올린, 혹은 현대의 형상이 되기 전의 시대의 바이올린을 현대의 형상으로 개조한 것을 가리킨다. 바로크 시대에 제작된 바로크 바이올린에도, 그 성능이 대극장, 대음량이라는 낭만주의 이후의 음악 문화에 비교적 대응 가능하기 위해, 현대 바이올린으로 개조된 것도 많다. 안토니오 스트라디바리의 악기 등도 이것에 포함된다. 고전파 시대의 형상의 바이올린은 고전 바이올린으로 불린다. 전기 바이올린
일본에서 가장 친숙한 것은, 통상의 바이올린의 이미지로 외측선을 디자인해, 본체, 지판으로부터 테일 피스에 이르기까지 바이올린과 같은 소재를 사용한 것이지만, 라메들이가 도장을 한 것이나, 투명한 플라스틱 보디의 제품, 끝은 전기 기타로 보이는 형상까지 만들어지고 있다. 비올라
19세기에 비올라는 바이올린과 더불어 두드러진 기술적 발전을 하기 시작하였다. 1834년 엑토르 베를리오즈는 솔로 비올라의 아르페지오 악절에서 술 폰티첼로(sul ponticello, 현에서 브리지 바로 앞쪽의 현을 마찰하는 주법으로, 투명하고 껄껄한 음질이 난다. 이 방법은 토봉 활로 트레몰로를 할 때 가장 좋은 효과가 난다.)가 여타 약한 오케스트라 현악기에 비하여 신비스러운 소리를 구현하고 있다. 이렇듯 비올라는 실내악과 관현악에서 점차적인 관심을 받았으나, 이는 비올라가 합주에서 독주 파트로서 인식이 커진 것이지 완전한 독주 악기로 독립한 것은 아니다. 첼로
18세기에 들어 첼로는 다양하게 개량되었다. 목과 지판은 더 길고 얇게 만들어졌고, 줄받침이 높여졌으며, 더 가늘고 팽팽한 현을 써서 악기의 음색과 공명을 좋게 하기 위한 혁신적인 노력이 이어졌다. 또 활도 개량되었는데, 18세기 후반의 첼로 활은 비올과 바이올린 활처럼 직선이나 볼록한 모양으로 만들었으며, 활을 쓸 때는 비올처럼 손바닥을 위나 아래로 향하게 쥘 수 있었다. 1780년대 프랑수아 투르트는 브라질산 페르남부코 나무로 만든 오목한 활을 도입하여 연주자가 첼로를 더 쉽게 다룰 수 있도록 하였으며, 활 길이는 72 cm, 활털은 60~62cm로 제작하였다. 비올라
왼쪽 그림은 제1포지션에서 짚을 수 있는 음들의 위치를 나타낸다. 모두 같은 간격으로 그려져 있지만 실제로 지판 위에서의 간격은 아래로 갈수록 조금씩 좁아진다. 노란색 가로줄은 위에서부터 제1, 제2, 제3포지션에서 검지손가락의 위치를 나타낸다. 바로크 바이올린
현대 바이올린과 다른 점은 베이스 바(동체 부분의 내부에 세로에 붙어 있는 봉)가 작고, 말의 하부가 비교적 얇게 상부가 비교적 두꺼운 것이다. 또한 지판이 짧고, 목이 굵으며 조정기(튜너, tunner)가 없는 것 등이 있다. 그러나 가장 중요한 차이는 활이다. 현대 바이올린의 활의 모양이 'Σ'의 글자에 중간부가 패인 곡선을 그리는 반면, 바로크 바이올린의 활은 직선형이거나 중간부가 조금 부풀어 오른 곡선이다. 이것은 활의 털이 장력이 약하다는 것을 의미한다. 바이올린 소나타 9번 (베토벤)
매우 고난도의 바이올린 연주 기술을 요하며, 길이가 꽤 길고(일반적인 연주는 보통 40분을 약간 넘는다.), 서정적 다양성이 큰 것으로 악명 높다; 1악장은 분노를 표현하는 반면, 2악장은 명상적인 느낌, 3악장은 즐거움과 풍부한 느낌을 표현하고 있다. 비올족
비올로네()는 베이스 비올보다 1옥타브 낮은 6현의 악기로서 오늘날 콘트라베이스의 조상이 된 것이다. 바흐의 칸타타에 종종 나타나는 비올로네는 6현의 옛 형에서 콘트라베이스로 이행하는 과도기의 악기였다. 비올라
바로크 시대 바이올린 연주자들이 비올라를 연주하기도 하였지만, 비올라 작곡은 그리 많지 않다. 1740년까지 뛰어난 비올라 연주자는 없었으며, 유명한 비올라곡도 없었다. 이 시기의 중요한 비올라곡으로는 요한 크리스토프 바흐, 게오르크 필립 텔레만 등이 있으며, 특히 텔레만의 비올라 협주곡 G장조는 비올라 주자들이면 누구나 연주하는 대표적인 곡이다. 바로크 시대에 독자적인 연주 기회가 적었던 비올라는 실내악에서 간혹 내성부를 채워주는 역할을 담당하기도 하였다. 가령 요한 세바스티안 바흐의 브란덴부르크 협주곡 중 6번은 비올라 두 대의 콘체르티노이다. 요한 제바스티안 바흐, 헨델, 비발디 등은 푸가와 협주곡에서 비올라에 중요한 역할을 부여하였지만, 독주악기로 사용된 것은 18세기 말이었다. 바이올린
바이올린(, , )은 완전 5도로 조율하는 현이 넷인 찰현악기이다. 비올라, 첼로와 더불어 바이올린족 악기에 속하며, 그중 가장 ,높은 소리를 낸다. 피아노와 대등할 만큼 인기가 많은 악기이다. 바이올린은 현대 오케스트라에서 주도적인 역할을 담당하며, 가장 많은 수를 차지하는 악기이다. 보통 관현악단에는 제1바이올린과 제2바이올린으로 나눈다. 바이올린 협주곡 (슈트라우스)
알레그로 라단조 4/4박자. 소나타 형식. 아주 규모가 큰 악장으로 비극성을 간직한 관현악의 제1주제로 시작된다. 이 주제는 중기 낭만파적이지만, 이 리듬과 진행형은 슈트라우스가 나중에도 좋아한 것으로, 예를 들면 〈알프스 교향곡〉의 서두에서도 나타난다. 제2주제는 바장조로 독주 바이올린에 의해 연주되기 시작하고, 거기에 선행하는 경과부의 밝고 서정적인 선율도 역시 독주 바이올린으로 나타난다. 발전부는 비교적 짧고, 끝에는 카덴차를 둔다. 그 후에는 제시부를 변화한 형태의 재현부가 오지만 제2주제는 라장조이다. 첼로
낮은음넓이는 굵고 부드러운 음빛깔을 가지며 높은음넓이는 달콤하고 정열적인 울림을 가지고 있다. 첼로의 조현은 비올라보다도 옥타브가 낮으며 위로부터 가, 라, 사, 다와 같이 완전5도 간격으로 조현된다. 첼로의 음넓이는 다음으로부터 사2음까지이다. 주법은 연주자세가 다른 것을 제외하고는 바이올린과 같다. 다만 현이 굵고 악기가 크기 때문에 바이올린만큼 급속한 악구(樂句)를 연주할 수 없다. 윌리엄 프림로즈
프림로즈는 무시무시한 기교로 유명하다. 그가 니콜로 파가니니의 바이올린 카프리치오를 비올라로 연주하자, 미샤 엘먼은 “비올라 연주가 더 쉽다.”고 말하기도 했다. 프림로즈는 많은 비올라 편곡 악보를 썼는데, 종종 “라 캄파넬라(La Campanella, 파가니니 바이올린 협주곡 2번)”이나 알렉산드르 보로딘의 “녹턴”(Nocturne, 현악4중주 2번 중 첼로의 멜로디)처럼 현란한 기교가 돋보이는 곡이다. 비올라
비올라는 알토 비올("alto viol"), 알토 비올라("alto viola"), 알트 바이올린("alt violinc")으로 불렸으며, 독일에서 부르는 브라체("Bratsche")는 이탈리아식 이름인 브라치오("braccio")가 독일식으로 바뀐 것으로 다니엘 메륵이 처음 사용하였다. 비올라 다모레
비올라 다모레는 보통 현이 6개나 7개이며, 여타 현악기처럼 활로 현을 그어서 소리를 낸다. 또 각 현과 지판 밑으로 공명현이 각각 있는데, 공명현은 직접 활로 소리를 내는 것이 아니라, 연주하는 음에 따라 울리는 것이다. 이 악기의 일반적인 형태는 6현 악기이며, 공명현이 14개나 되는 것도 있다. 공명현은 비올라 다모레의 가장 특징적인 부분으로 여겨지지만, 초기 형태의 비올라 다모레는 거의 모두 공명현이 없었다. 처음으로 공명현이 없는 비올라 다모레를 언급한 사례는 1730년 이후에야 등장한다. 두 형태의 악기 모두 18세기에 제작되어 연주되었다. 바이올린 협주곡 (슈트라우스)
이 바이올린 협주곡은 고전파의 협주곡의 전통에 따라 3악장제를 취하고 있다. 작곡 당시에 슈트라우스는 음악적으로 보수적인 부친(프란츠 슈트라우스)의 영향에서 빠져나오지 못하고 있었다. 그리고 1악장과 2악장을 단조로 하고, 3악장을 장조로 했다. 그런 것과 어느 정도 관계가 있는지 빈에서의 초연 때에는 피상적이고 감섬적인 선율이 너무 많다고 비난한 사람도 있었다. 분명히 거기에는 감상적인 낭만성이 있지만, 또한 정돈된 형식감으로의 지향도 있다. 그리고 선율의 진행과 악장의 구성법에는 멘델스존과 슈만에게서 받은 영향을 볼 수 있다. 예를 1악장의 제2주제의 진행형(바장조로 마-라-시-도)은 낭만파의 많은 작곡가들이 좋아했으며, 슈트라우스의 작품에서도 가끔 쓰이고 있는 것으로 (〈죽음과 변용〉과 〈틸 오일렌슈피겔의 유쾌한 장난〉 등) 생에의 동경, 생의 기쁨, 낭만적인 동경을 표현한다. 또한 그 앞의 경과부의 선율 서두의 8도의 상행, 2악장의 독주 바이올린에 의한 주제의 최초의 6도의 상행도 동경감을 강화하는 것으로서 멘델스존과 슈만 등이 종아했다. 또 3악장의 제1부 주제의 접속 진행에 의한 하행도 사랑을 나타내는 것으로서 낭만파의 가곡과 오페라 등에서 좋은 예를 볼 수 있다. 이같이 20세가 되기 전의 슈트라우스의 낭만적인 정감이 이 곡에 단겨 있는데, 그와 동시에 이 곡은 제기 넘치는 청년의 의욕도 느낄 수 있다. 바이올린, 비올라와 오케스트라를 위한 신포니아 콘체르탄테
비올라 부분은 E flat 장조가 아닌 D 장조로 쓰였으며, 더 밝고 높은 음색을 위해 개방현을 반음씩 높이는 변칙조율을 사용했다. 이러한 조율법은 현대 비올라로 연주할 때는 잘 적용되지 않으며 원전 연주를 할 때에 주로 적용된다. 솔터리
솔터리(Psaltery) 또는 솔트리(psaltry)는 치터와 비슷한 현악기로, 이등변삼각형의 울림통 위에 현이 고정되어 있다. 바이올린이나 기타 같은 다른 현악기들이 울림통과 손가락판이 구분되어 있는 반면에 솔터리는 손가락판이 따로 없다. 역사가 오래된 악기로 구약성서에도 여러 차례 언급되고 있다. 고대와 중세에는 널리 쓰였지만 근대로 들어와서 쓰이지 않다가 최근에 와서 다시 쓰이게 되었다. 손으로 뜯는 솔터리와 활로 켜는 솔터리 두 가지가 있었는데, 최근에는 활로 켜는 것(보드 솔터리, bowed psaltery)만 쓰인다. 아마티
아마티가는 바이올린의 형태가 형성되어가는 시기에서 바이올린의 형태와 구조를 확립하여 후대 바이올린 제작자들에게 기준을 제시하였다는 점에서 가장 큰 의의를 가진다. 또한 원목, 바니시에 필요한 색소 등 여러 재료 면에 있어서 가장 양질의 재료가 무엇인지 끊임없이 연구하여 좋은 성과를 내었다. 아마티가는 제작자뿐만 아니라 교육자라는 면에서도 큰 역할을 하였는데, 특히 니콜로 아마티가 여러 제자를 문하에 둠으로써 그의 바이올린 제작 기술이 이탈리아 전역에 퍼질 수 있게 하였고 이는 결과적으로 바이올린 제작 기술의 발전에 매우 많은 기여를 하였다. 바이올린 협주곡 (슈트라우스)
렌토 마 논 트로포 사단조 3/8박자. 3부 형식. 이 악장의 메트로놈 표시에는 점4분음표가 69라는 것(피아노 악보)과 8분음표가 69라는 것(총보)이 있다. 어느 쪽으로 연주해도 맛이 있지만, 렌토 마 논 트로포라는 지정으로 하면, 점4분음표쪽은 적절하지 않다. 다만 8분음표가 69면 안단티노에 가깝다. 아소우에 의한 작품 목록에는 점4분음표가 96으로 되어 있지만, 이것은 69의 오식(誤植)인 듯하다. 어쨌든 바이올린의 노래하는 악기로서의 특성을 충분히 살린 악장이고, 온화함과 달콤함과 청년다운 낭만성을 갖는다. 서두의 주제도 그러하다. 중간부는 내림마장조를 주체로 한다. 피들
피들()은 활을 이용해 연주하는 찰현악기를 말하며, 대개는 바이올린을 뜻한다. 안토니오 스트라디바리
파가니니 콰르텟의 비올라는 스트라디바리가 전 생에 걸쳐 만든 세 대의 명기 비올라 중 하나이다. 4년 더 오래된 제1바이올린은 더블베이스만큼이나 큰 음색을 가지고 있으며, 첼로는 스트라디바리 말년의 최고작들 중에서도 완벽한 균형미로써 더욱 높은 명성을 갖는다. 삼중주
피아노, 바이올린, 첼로로 구성된 피아노 삼중주와 바이올린, 비올라, 첼로로 구성된 현악 삼중주가 있다. 피아노 삼중주로 대표적인 곡은 베토벤, 드보르작, 슈베르트, 브람스의 작품이 있다. 비올라
비올라는 종종 관현악에서 주인공 노릇을 하기도 한다. 가령 에드워드 엘가의 “Ysobel”이라는 ‘’수수께끼 변주곡’’의 여섯 변주가 있으며, 리햐르트 슈트라우스의 “돈 키호테”에서 독주 첼로와 독주 비올라도 그러한 예이다. 비올라
활과 현이 어느 부분에서 만나느냐도 소리에 영향을 미친다. 브리지()에 가깝게 활을 쓰면(술 폰티첼로, ) 더 센 소리를 내고 높은 배음을 강조하지만, 지판에 가깝게 또는 지판 위에서 활을 쓰면(술 타스토, ) 부드럽고 여린 소리를 내며 기본음을 강조한다. 전기 바이올린
또 통상의 바이올린에 픽업을 달고, 악기의 어쿠스틱 음을 전기신호로서 꺼내는 경우는, 전기 어쿠스틱 바이올린이라고 부르며, 구조나 음향의 구조로서는 다른 것이다.
기본적인 외관은 공명동이 존재하지 않는 바이올린이다. 전기 바이올린
전기 악기이기 때문에, 본체에는 라인 아웃 단자나, 전지 박스가 내장되고 있다. 또, 최저한의 조정은 필요하다. 예를 들면 현간이나 기러기발과 지판표면의 커브와의 정합 등은 실시할 필요가 있다.
현의 진동은 픽업으로 전기신호에 변환되지만, 본체 내에 픽업을 내장해, 그 위에 기러기발을 세우는 경우 외, 기러기발이 픽업이 되고 있는 제품도 있다. 기러기발이 픽업이 아닌 경우, 기러기발은 통상의 바이올린과 같은 물건을 사용할 수 있다. 바로크 바이올린
사람에 의해 여러가지 정의가 있으나 일반적으로 '바로크 바이올린'이라고 하면 바로크 시대에 제작되어 현대 바이올린으로 개조되어 있지 않은 것, 또는 현대에서의 그러한 복제, 혹은 낡은 악기를 바로크 양식에 개조 혹은 재개조한 어느쪽을 가리킨다. 비올라
다른 실험 역시 “소리 대 인체공학”의 문제를 염두에 두고 있다. 미국 작곡가 해리 파트치는 첼로의 목을 비올라에 연결하여 그의 43개 음계가 가능해졌다. 제작자들은 5현 비올라도 만들어 비올라의 음역을 확대했다. 현재 음악은 이런 악기로 연주하는데, 비올 음악 역시 마찬가지로 연주할 수 있다. 비올라
유명한 비올라 비르투오소(virtuoso)는 적은 편인데, 아마도 수많은 비올라 작품이 20세기에 와서야 나왔기 때문일 것이다. 윌리엄 프림로즈는 비올라 명인 연주를 비범한 수준으로 끌어올린 사람이다. 프림로즈 외에도 20세기에 비올라 연주의 영역을 개척한 비올리스트로는 라이오넬 테르티스, 파울 힌데미트, 릴리안 푹스, 프레데릭 리들, 월터 트램플러, 에마누엘 바르디가 있다. 오늘날 유명한 비올리스트로는 로렌스 파워, 미하일 쿠겔, 킴 카쉬카쉬안, 노부코 이마이, 리브카 골라니, 타베아 짐머만, 폴 뉴바우어, 유리 바쉬메트가 있다. 젊은 세대에서는 데이비드 아론 카펜터, 노쿠툴라 은그웨야마, 캐시 바스락, 제니퍼 스텀, 빅토리아 보로니안스키, 비아체슬라프 디너히타인, 앙투완 탐스티 등을 꼽을 수 있다. 최근 한국에는 한국계 미국인 리처드 용재 오닐이 주목받고 있다. 작곡가이자 비올리스트인 켄지 번치는 오늘날 수많은 비올라 독주 곡을 썼다.
위대한 음악가들 중에도 베토벤, J.S.바흐, 모차르트처럼 합주를 할 때 바이올린보다 비올라를 선호한 사람들이 있었다. 요제프 하이든이나 프란츠 슈베르트, 펠릭스 멘델스존, 안토닌 드보르자크, 벤저민 브리튼도 마찬가지였다. 비올리스트 겸 작곡가로 유명한 사람으로는 레베카 클라크와 파울 힌데미트를 들 수 있다. 또 핀커스 주커만, 다비드 오이스트라흐, 외젠 이자이, 예후디 메누힌, 막심 벤게로프, 나이젤 케네디 등 많은 바이올리니스트들이 비올라를 대중 앞에서 연주하거나 녹음하기도 했다. 스페인 교향곡
Scherzando, 스페인의 민속춤곡인 볼레로 의 형식을띄고있으며, 솔로바이올린은 오케스트라의 동기에 태워져서 싱코페이션이 많은 가락을 연주한다. 점차 이 가락은 화려한 셋잇단음표 로 변하게되는데 그 뒤 전개부로 들어간다. 전개부에서는 poco piu lento 를 거쳐 많은 리듬의 변화를 거친후, 처음의 동기로 돌아와서 끝을 맺게 된다.
 Intermezzo, 특정한 리듬의 전주에 의해 길고힘찬 오케스트라의 튜티가 있다. 솔로바이올린이 등장하면 힘찬 스페인적인 리듬과,선율을 연주하게 된다. 전개부에서는 그 후 2/4박자에서 6/8박자로 변하고 중간부로 들어가게 된다. 이곳부터는 독주바이올린의 기교적이고 즉흥적인 선율이 나오는데 점차 이것은 축소되어 결국에는 처음의 주제를 연주하며 튜티와 솔로의 엇박리듬을 거쳐 포르티시모에 의해 끝을 맺게 된다.
 Andante, 이 악장은 자주 독립되어 연주될정도로 널리 연주되는 악장이다. 처음에 무거운 오케스트라의 튜티가 있으며, 이후 솔로바이올린이 동기의 가락을 연주하게된다. 제시부에서는 감미롭고 힘찬 바이올린의 선율을 느낄수있으며 이 가락은 차이콥스키 의 바이올린협주곡 의 2악장인 칸초네타 악장과 비교할 수 있을것이다. 전개부에 들어와서 짧은 오케스트라의튜티에 들어간 뒤 솔로바이올린은 새로운 가락으로 들어간다 솔로 바이올린의 가락은 아주 감미롭고, 전개부에 비해서 밝은 음색을낸다 이 부분이 고조되어 카덴챠(cadenza)가 들어오게 된다. 솔로바이올린이 트릴로 카덴챠를 마무리하면 힘찬 오케스트라튜티다 뒷바침해주며 그 뒤 조용하게 마친다. 교향곡 45번 (하이든)
가장조 3/8박자. 소나타 형식. 바이올린이 약음기로 주제선율을 조용히 연주하고 다른 현악기가 조용히 반주한다. 제1주제 후에 경과부로 들어가 두드러지지 않는 마장조의 제2주제가 바이올린으로 조용히 연주된다. 이 악장의 전체는 현악을 주체로 진행되고 오보에나 호른 등의 관악기는 가끔 보조성부 역할을 할 뿐이며, 약음된 바이올린의 은근한 음색이 확실하게 지배한다. 전체의 구성은 제시부, 발전부에 이어 충실한 재현부로 들어간다. 소나타 형식이라고 해도, 강렬한 1악장과 대조적으로 조용하고 온화한 곡이다. 비올라
비올라 연주는 바이올린 연주와 비슷한 반면에, 중요한 다른 점들도 많이 있다.바로크 이후 음악가들은 무수한 바이올린과 첼로 협주곡을 썼지만, 낭만주의 이전까지는 비올라에 관심을 기울이지 않아 비올라곡은 바이올린과 첼로에 비해 아주 미비한 수준이다. 왼손잡이
오른손잡이가 절대다수이기 때문에 많은 물건들이 오른손잡이를 위해 고안되었다. 가위나 소총, 수도꼭지 등은 왼손잡이가 쓰기에 아주 불편하다. 대부분의 머그컵도 오른손잡이가 잡았을 때, 그림이 바깥쪽으로 보이도록 되어 있다. 지금은 왼손잡이용 물건을 파는 왼손잡이 샵이 있다. 미국에서는 왼손잡이 학생을 위해 수십여가지의 왼손잡이용품을 제공해 준다. 악기도 왼손잡이를 위해 나오고있지만 수요가 작고 다양하지않다. 바이올린같은 경우 오케스트라에서 왼손잡이는 함께 할 수 없으며 대부분 어릴때 시작하거나, 가르치는 사람, 오케스트라 등에 이유로 배우게된다. 하지만 오른손잡이와 마주보며 앉을경우 거울처럼 보게되어 배우기 쉬우며 오케스트라에 경우 어색하지만 짝수 2명이 바깥쪽을 보며 연주 할 경우 멋있게 보인다. (예 - 존 레논과 폴 매카트니의 연주) 바이올린 소나타 (슈트라우스)
슈트라우스는 바이올린을 상당히 잘 연주했으며, 피아노의 연주 테크닉 또한 뛰어났다. 그럼에도 불구하고 슈트라우스는 바이올린 소나타를 1곡만 남기고 있다. 이것은 1887년 여름과 가을에 대부분 작곡되어, 다음해 9월에 2악장이 완성되어 전체가 완성되었다. 그리고 이 소나타는 슈트라우스의 실내악곡 분야에서의 매듭이 되었다. 즉 이 이후 슈트라우스는 고전파적인 형식의 절대음악에서 벗어나 교향시와 오페라의 세계에 몰입해 간다. 그렇다고는 하나 이 바이올린 소나타보다 이전에 교향시의 포석이 되는 이탈리아에서를 이미 작곡했고, 1887년에는 교향시 ‘맥베드’를 쓰기 시작했으며, 1888년에는 교향시 ‘돈 후안’의 작곡에 착수했다. 슈트라우스는 재빨리 새로운 방향을 개척하며 전진했다. 따리서 이 소나타는 슈트라우스에게 있어서 과도적인 최후의 작품이 된다. 그런 까닭에 곡은 전통적인 3악장제를 취하곡 있지만, 이제까지의 슈트라우스의 실내악곡과 협주곡과는 상당히 다른 양상을 보인다. 예를 들면 선율의 움직임은 슈트라우스의 개성을 확실히 나타내고 있다. 1악장 서두의 주제에서 이미 슈만적이나 브람스풍으로는 형용할 수 없는 것으로 되어 있다. 그리고 이 제1주제 부분만으로도 말할 수 있듯이 화성은 아주 독창적이며, 대위법도 창의에 가득 차서 풍부하게 쓰이고 있다. 동기의 처와 발전과 관련에도 교묘함이 나타나고 있고, 각 악장은 대비성에 배려하면서 긴밀한 결말을 보인다. 거기에다가 바이올린도 피아노도 확실히 슈트라우스가 좋아하는 상당히 고도의 연주기교를 요구한다. 그 때문에 때로는 2중주 영역을 넘는 효과의 인상을 준다. 이처럼 이 곡은 고전파로부터의 2중주 소나타의 노선을 슈트라우스 나름대로 한계에까지 전진하게 한 것이 라고 할 수 있다. 탄호이저 (오페라)
제 2부는 갑자기 알레그로, 2/2박자로 바뀌어 베누스베르크의 요염한 세계가 뚜렷해지며 '환락의 동기'가 먼저 비올라에 나타난다. 이어서 '시레네의 부르는 소리'가 목관으로 연주된 다음, 처음 템포로 돌아와 현악기로 힘차게 '베누스 찬가'가 연주된다. 그 뒤 첼로, 바이올린, 클라리넷 등으로 '베누스의 동기'가 나타난다. 이어서 '유혹의 동기'가 바이올린에 나타나고 음악이 계속 고조되다가 베누스베르크의 세계는 멀리 사라져간다. 바이올린
18세기 이전에 만들어진 악기의 대부분은 현재와 같이 개량되었으며 이들을 현대식 바이올린이라고 한다. 또, 수리를 받지 않고 원형을 유지하고 있는 것을 바로크 바이올린이라고 한다. 그러나 현대에 만들어진 바이올린도 바로크 바이올린의 형태로 되어 있으면 바로크 바이올린이라고 부르기도 한다. 지금은 음향을 전기 신호로 바꾸는 전기 어쿠스틱 바이올린, 현의 진동을 직접 전기 신호로 바꾸는 전기 바이올린도 등장하였다. 바이올린
바이올린은 80개가 넘는 부품으로 구성되어 있다. 바이올린족
현악 사중주는 모두 바이올린족 악기로 이루어지기 때문에 악기의 소리들간 융합이 쉬운데, 이는 소리를 내는 방식이 각각 다르고 성격이 뚜렷한 목관 사중주와 다른 점이다. 테레민
악기의 양쪽에 위치하는 두 개의 안테나에서 발생되는 전자기장을 손으로 간섭시켜 소리를 낸다. 한쪽의 수직 안테나는 손을 가까이 가져갈 수록 높은 음을 내며, 다른 한쪽의 수평(루프형) 안테나는 가까이 갈 수록 작은 소리를 낸다. 두 손으로 각 안테나와의 거리를 조절하며 음을 만들어 낸다. 두 안테나는 주로 오른손 잡이는 수직 안테나를 오른쪽에 위치하게 하여 연주한다. 피아노나 기타처럼 정해진 음이 나오지 않고 바이올린처럼 연속된 음이 만들어 진다. 비올라
비올라(Viola)는 서양 음악에서 쓰이는, 활로 연주하는 현악기(찰현악기) 가운데 하나이다. 바이올린족에 속하는 악기들 중에서 가운데 음역을 담당한다. 아마티
안드레아 아마티(1500~1577)는 근대 바이올린의 형태와 구조를 재정립하여 바이올린을 제작하였다. 그가 바이올린 제작 기술을 어디에서 배워왔는지에 대해서는 여러 설이 있지만, 그가 원래 비올 제작자였는데 브레시아의 바이올린에서 영감을 받아 바이올린 제작을 시작하였다는 설이 제일 믿을만하다. 그가 제일 초창기 바이올린 제작자인 가스파로 다 살로의 제작자라는 설도 있었지만 카를로 보네티는 안드레아 아마티가 다 살로보다 일찍 태어났으므로 이 설은 근거가 없다고 주장하였다. 하지만 그가 크레모나 지방의 첫 바이올린 제작자라는 사실은 확실하다. 그의 작품은 현재 225개밖에 전해지지 않고 있는데, 학자들은 그 이유를 16세기 교회가 바이올린의 연주를 금하고 심지어는 바이올린을 파괴하라고 지시했기 때문으로 생각하고 있다. 비록 바이올린의 발명자는 아니지만 안드레아는 후대 제작자들을 위한 청사진을 구축하였다. 그는 좋은 목재를 찾기 위하여 남부 알프스를 해메고 다녔고, 좋은 바니시를 만들기 위해 직접 베니스까지 찾아가 재료를 구해왔다고 한다. 그가 프랑스 왕실의 주문을 받아 바이올린, 비올라, 첼로로 구성된 38개의 악기를 제작하여 납품하였다는 기록도 남아있다. 사람들은 안드레아 아마티의 명기의 탁월성을 그가 분명히 처음 사용한 크레모나 바니시 덕분으로 생각하고 있지만, 이에 대한 엄밀한 증거가 없어 아직도 논란의 대상이 되고 있다. 안드레아 아마티는 바이올린의 자매 악기들인 비올라와 첼로의 견본까지 만들었는데, 4대의 비올라와 6대의 첼로가 현존한다. 아마티가 제작한 제일 오래 된 첼로 "The King"은 음량이 풍부하고 기품있는 소리가 나 이 첼로만큼은 과르네리와 스트라디바리를 능가한다는 평을 받고 있다. 이 첼로는 18세기 당시 프랑스 최고의 첼리스트이자 작곡자인 뒤포르(1749~1819)가 제일 아끼는 첼로였다. 비올라
비올라 레퍼토리가 꽤 많지만, 20세기 이전의 유명한 작곡가가 쓴 곡은 비교적 적다. 그리하여 비올라 연주자들은 다른 악기로 연주되는 곡을 편곡하여 연주하기도 했다. 그리고 20세기에 들어 테르티스와 힌데미트 등 훌륭한 연주자가 등장하면서 점차 비올라 독주곡도 작곡되었다. 그 가운데는 월튼, 버르토크와 미국의 작곡과 퀸시 포터 등의 협주곡도 있다. 힌데미트는 4곡의 협주곡, 4곡의 비올라와 피아노를 위한 소품, 무반주 비올라 곡 2곡 등 여러 비올라곡을 작곡하였다. 또 샌프란시스코 음악원(San Francisco Conservatory of Music)의 “비올라 프로젝트(The Viola Project)”를 보면, 비올라 교수 조디 레비츠가 작곡가를 자신의 학생과 짝지어 새로운 작품을 연주할 수 있게끔 하고 있다. 비올라
대부분의 경우 포지션 이동은 연주를 편하게 하기 위함이지만, 특정한 음색을 얻기 위함이기도 하다. 같은 음을 내더라도 어느 현이냐에 따라 소리는 조금 다르기 때문이다. 때때로 작곡가는 특정한 현을 사용하도록 지시한다. 예를 들면 "sul G"는 G현으로 연주하라는 뜻이다. 비올라
비올라는 다른 바이올린족 악기들과 마찬가지로 지판 위에 프렛()이 없기 때문에 연주자는 현을 짚을 손가락의 정확한 위치를 알아야 한다. 처음 악기를 다루는 사람은 지판 위에 테이프 등으로 그 위치를 표시하기도 한다. 개방현의 음과 같은 음 또는 한 옥타브 차이가 나는 음을 다른 현에서 정확히 연주하면 공명에 의해 해당 개방현이 같이 진동하므로 음높이를 찾는 데 이 현상을 활용할 수 있다. 현악 사중주
현악 4중주에서는 (금관 악단과 마찬가지로) 음색의 대비가 약한것이 고민거리였지만, 이것은 악기간의 음의 차이 뿐 아니라 연주 방법을 통해서도 극복할 수 있었다. 예를 들어 악기를 레가토로 연주하거나, 손가락으로 현을 뜯는 피치카토로 연주하여 대비를 주었고, 바이올린 연주자는 대개 다른 악기들이 다른 현에서 연주하는 음을 G선에서 연주하여 좀 더 부드러운 소리를 낼 수 있었다. 음을 풍부하게 내는 다른 좋은 방법으로 더블 스톱(중음)이 있는데, 이것은 두 줄 이상의 현을 동시에 연주하는 것을 말한다. 드뷔시와 그리그는 더블 스톱을 이용하여 최대의 효과를 얻은 음악가이다. 음색의 대비를 얻기 위하여 클라이막스를 연주하기 직전에 악기를 일시적으로 멈추게 하는 방법도 있다. 요제프 하이든, 모차르트, 베토벤은 모두 현악 4중주의 거장으로 두 악기로 같은 선율을 연주하게 하여 특수한 효과를 내기도 하였다. 바이올린 협주곡 (슈트라우스)
바이올린 협주곡은 김나지움 시절인 17세 때 스케치했다. 1악장의 사본은 현존하는데, 이것은 모친에거 받은 오선지에 수학 수업의 필기와 같이 적혀 있다. 그리고 이들 스케치를 근거로 1882년 가을에 바이올린 협주곡을 완성헀다. 초연은 먼저 바이올린과 피아노의 형태(슈트라우스의 자신의 편곡)로 1882년 12월 5일에 빈의 베젠도르퍼의 작은 홀에서 연주되었다, 그때 바이올린은 벤노 발터, 피아노는 슈트라우스가 연주했다. 슈트라우스는 발터와 함께 주로 피아니스트로서 처음으로 빈의 연주여행에 나선 것이다. 그리고 이 바이올린 협주곡은 품위 있는 거장성(巨匠性)으로 많은 청중을 매료시켰다. 다만 슈트라우스 자신은 콘서트 피아니스트로서 경험을 쌓지 못했기 때문에 자신의 피아노에 만족하지 목했다고 말하고 있다. 그러나 슈트라우스는 뮌헨의 가족에게 다음과 같이 이야기하고 있다. ‘어제 연주회는 잘 했습니다. 우대권 덕분에 홀은 아주 만원이었습니다. 니 바이올린 연주곡은 많은 호평을 받아서, 처음의 바장조의 트릴 후 박수, 각 악장 후 박수, 마지막에는 두 사람이 인사를 하는 상태가 됐습니다. (중략) 나의 반주는 그리 서두르지는 않았습니다.’